Critica: El Hombre Invisible (The Invisible Man) (2020)

Película: El Hombre Invisible (The Invisible Man) (2020)

Director: Leigh Whannell. Anteriores: “Insidious: Chapter 3”.

Sinopsis: Cecilia (Elisabeth Moss) rehace su vida tras recibir la noticia de que su exnovio, un maltratador empedernido, ha fallecido. Sin embargo, su cordura comienza a tambalearse cuando empieza tener la certeza de que en realidad sigue vivo.

Creo que la parte mas importante que debemos valorar en esta película es haber podido lograr mantener la tensión del espectador de principio a fin, y sin pasar por ningún bache de lentitud o aburrimiento. Adicional a esto, un buen uso de la tecnología visual y una banda sonora que debo decir, que no pasa desapercibida y acompaña de muy buena manera las escenas de tensión y pánico.  

Hasta aquí el vaso medio lleno.

Qué me quedó faltando ¿? Me queda faltando algo más de parte de su protagonista Elisabeth Moss. Los que seguimos la excelente serie de televisión “El Cuento de la Criada”, sabemos que podría haberse dejado algo mas de piel en el papel y llevarlo a un nivel aun mejor. Lo otro, el guion, me termina pareciendo algo simple, pero debo valorarle que no termina siendo predecible, y justo es en este punto donde mi valorización sobre si estar dispuesto a pagar por una entrada al cine, se termina inclinando por el SI.

Critica: Unidos (Onward) (2020)

Película: Unidos (Onward) (2020)

Director: Dan Scanlon. Anteriores: “Monsters University”.

Sinopsis: Ambientado en un mundo de fantasía suburbana, dos hermanos elfos adolescentes, Ian y Barley Lightfood, se embarcan en una aventura en la que se proponen descubrir si existe aún algo de magia en el mundo que les permita pasar un último día con su padre, que falleció cuando ellos eran aún muy pequeños como para poder recordarlo.

Ya hacía falta algo nuevo de Pixar. Desde 2017 con “Coco” y hasta ahora, solo habíamos tenidos secuelas, las cuales sin estar del todo mal, no contaban con esa chispa de originalidad que caracteriza a este estudio cinematográfico. Hasta que llega “Unidos” y con ella regresa aquella sensación de ver por primera vez a “Monsters Inc” o “Up”, un desborde de entretenimiento pero por sobre todo de originalidad. Porque es precisamente lo que Pixar representa para mí, animaciones de una altísima calidad pero bien acompañadas (en la mayoría de las veces) de historias fantásticas y muy originales.

Y con “Unidos” vuelves a tenerlo todo, esta vez llevando la trama a un mundo fantástico en el que alguna vez existió la magia, pero en el que hoy aquella magia es un vano recuerdo con tendencia a ser olvidado. Dos carismáticos hermanos intentarán entonces, recuperar el poder perdido de la magia, con el único objeto de lograr llevar a cabo un hechizo que les permita por un día, volver a estar con su fallecido Padre.

La historia termina tocando fibras sensibles, recordándonos la importancia de mantener y alimentar nuestros vínculos familiares, y todo esto a través de una entretenida historia de evocación medieval pero desarrollada en un mágico mundo contemporáneo.

Ninguna excusa para no verla, independientemente de la edad que se tenga.

Critica: La hora de tu muerte (Countdown) (2019)

Película: La Hora de tu muerte (Countdown) (2019)

Director: Justin Dec

Sinopsis: Una enfermera descarga una aplicación que informa al usuario sobre cuando morirá. La aplicación le comunica a la joven que fallecerá en tres días y, a partir de ese momento, empieza una carrera frenética por sobrevivir a lo que parece inevitable.


Una de las primeras películas de terror de este año, y como uno de mis géneros favoritos (también el que más decepciones me genera) salí a verla, para encontrarme con que en realidad se trata de una película de "terror ligera", es decir busca el entretenimiento antes que el terror. Esto la convierte en una alternativa válida para aquellos que no pueden tolerar las escenas fuertes en una verdadera película de miedo.

Para quienes hayan visto alguna de las películas de la saga "Destino Final" les será difícil no encontrar similitudes con esta nueva propuesta, que lo único que hace diferente es encarnar al ángel de la muerte en una app descargable en el celular de sus ingenuos usuarios. 

Más allá de eso nada nuevo o rescatable para mencionar, todo lo que veas de alguna manera te recordará a algo ya visto antes, sin embargo, si volvemos a la premisa inicial de entretener antes que asustar, debo ser sincero y mencionar que no termina siendo un agobio de película, ni mucho menos, logra tener varios pasajes entretenidos y el hecho de durar menos de una hora y media la hace aún más tolerable. 

Ahora bien, a la pregunta "estará bien pagar una boleta para el cine?", a esa me cuesta mucho más contestar afirmativo.

Critica: El Precio de la Verdad (Dark Waters) (2019)

Película: El Precio de la Verdad (Dark Waters) (2019)

Director: Todd Haynes. Anteriores: “Carol”.

Sinopsis:  Inspirada en una impactante historia real. Un tenaz abogado (Mark Ruffalo) descubre el oscuro secreto que conecta un número creciente de muertes y enfermedades con una de las corporaciones más grandes del mundo. En el proceso arriesga su futuro, su trabajo y hasta su propia familia para sacar a la luz la verdad.

Una nueva confirmación de que lo peor que se mueve por este mundo es sin lugar a duda la especie humana.

La película cumple, narra de forma correcta la historia de David contra Goliat, e incrementa gradualmente la tensión en la trama. Pero todo esto lo hace sin que nada sobresalga realmente, salvo tal vez la actuación de nuestro querido “Hulk” (Mark Ruffalo) que logra transmitir la angustia y la zozobra de un abogado que entregará todo por defender una noble causa. Ningún otro actor/actriz merece mención alguna.

Es síntesis, una crítica directa a las despiadadas mega industrias químicas, que no solo contaminan sino que lo hacen con plena conciencia de las atroces consecuencias que esto genera en la sociedad y sus prolongados efectos en el ambiente. Pero al final el dinero siempre prevalecerá y caminará libre de la mano con su amiga la impunidad.

Sólo una duda me resta, este tipo de producciones basadas en reportajes reales (en este caso el realizado por el New York Times Magazine) no terminan siendo mejores cuando se utiliza un formato tipo “documental” o “serie documental”¿?. No se aporta de esta manera más dramatismo¿?. En este era de las plataformas de video, siento que me disfruto más este tipo de historia cuando las veo como serie documental. Una simple opinión.

Critica: El Llamado Salvaje (The Call of the Wild) (2020)

Película: El Llamado Salvaje (The Call of the Wild) (2020)

Director: Chris Sanders. Anteriores: “Cómo entrenar a tu dragón”, “Lilo & Stich”.

Sinopsis:  Cuenta la historia de Buck, un perro bonachón cuya vida cambia de la noche a la mañana cuando viaja de California a los exóticos parajes de Alaska, durante la fiebre del oro, a finales del siglo XIX. Como novato de un grupo de perros de trineo (y posteriormente su líder), Buck experimenta una aventura que jamás olvidará, encontrando su lugar en el mundo y convirtiéndose así en su propio amo.

Acá volvemos un poco a lo que escribíamos hace unas semanas sobre “Mujercitas”, una novela clásica y su enésima adaptación al cine. En este caso la novela es “The call of the wild” de Jack London y esta película su quinta adaptación al cine, esta vez utilizando por primera vez la tecnología “Live Action” de animación digital. Si bien es esta tecnología la que le permite a “Buck” el perro, convertirse en el verdadero protagonista de la historia, ya que facilita la expresividad de sus sentimientos, es a la vez la que puede ser la parte débil de la película, ya que el despliegue tecnológico se queda corto en comparación con el nivel que ya hemos visto no hace mucho en “The Jungle Book” (2016) o “The Lion King” (2019).

Más allá de eso un buen guion, adaptado a partir de un clásico y basado en la búsqueda del sentido de nuestra vida, pero esta vez desde la perspectiva de un animal, pero no por ello menos profundo. Un viaje a través de paisajes maravillosos de las montañas del extremo norte del continente americano y que hacen desear estar allá al menos por un momento de esta vida.

Para todos aquellos que tenemos la enorme fortuna de tener perros, se nos alborotará la sensibilidad en varios pasajes de la película y seguramente saldremos satisfechos al terminar la función. Para el resto de espectadores, podrá quedar la sensación de ser una película que hubiera podido valer la espera para verla por televisión un domingo en la tarde.

Critica: Little Women (Mujercitas) (2019)

Película: Little Women (Mujercitas) (2019)

Director: Greta Gerwig (dirección y guion) Anteriores: “Lady Bird”.

Por séptima vez en el cine … Mujercitas.

Sinopsis:  Amy, Jo, Beth y Meg son cuatro hermanas en plena adolescencia, que viven con su madre en una Norteamérica que sufre lejanamente su Guerra Civil. Con sus variadas vocaciones artísticas y anhelos juveniles, descubrirán el amor y la importancia de los lazos familiares.

No es la cuarta, ni la quinta, ni la sexta, sino la séptima adaptación al cine de la novela del mismo nombre escrita por la norteamericana Louisa May Alcott en 1868.

Valió la pena hacer un nuevo remake de esta película ¿?

Comencemos revisando aquello en lo que logró diferenciarse de las versiones anteriores. La gran diferencia radica en la temporalidad utilizada para contar la historia. Las versiones anteriores e incluso el libro emplean una estructura de tiempo lineal, sin embargo la versión de Greta Gerwig se basa en un paralelismo pasado presente, que alterna permanentemente. Reconozco que esta decisión funciona y ayuda a resaltar precisamente la idea principal de la historia, que es el paso del tiempo y cómo este afecta las personalidades de sus protagonistas. He aquí el aporte más valioso de esta película y en particular de su guion, lo que tal vez es aquello que le permitió haber sido considerado a un Oscar por mejor guion adaptado. En lo personal la sensación que me deja después de verla, es que el guion no saca el mejor provecho a los momentos de mayor drama en la historia, y se limita solo a narrarlos sin llegar a la profundidad deseada. Una pena por la película y por sus actrices, porque con seguridad su nivel actoral habría estado a la altura de mayores retos interpretativos.  Y ya que hablamos de las actrices, debemos decir que la producción se encuentra absolutamente blindada por grandes actrices, es claro que aquí no se quiso correr ningún riesgo. La joven y brillante Saoirse Ronan que acumula una nueva nominación al Oscar, Florence Pugh quien también alcanza una nominación como actriz de reparto interpretando a Amy March. Y junto a ellas las reconocidas Emma Watson, Laura Dern y la grandísima Meryl Streep.

Una notable ambientación, que extraña no haberla visto nominada en la categoría a mejor diseño de producción, y una fotografía que solo logra momentos brillantes en ciertas escenas filmadas en la playa, pero que no logra ser constante a lo largo de película.

Al final una película bien hecha, una adaptación que de alguna manera logró diferenciarse de sus antecesoras, pero de la cual cuando intento responder la pregunta con la que inicio este blog, termino respondiendo que no llegó a ser lo suficiente como para que valiera la pena el remake número siete.

Critica: Bad Boys For Life (Bad Boys Para Siempre) (2020)

Película: Bad Boys For Life (Bad Boys Para Siempre) (2020)

Director: Bilall Fallah, Adil El Arbi

Más de lo mismo, pero al final funciona…

Sinopsis:  En esta tercera entrega de la franquicia, los policías Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) vuelven a patrullar juntos en un último viaje.

Cualquiera que pague su entrada para ir a ver la tercera parte de la saga "Bad Boys" sabe exactamente lo que está pagando y lo que le espera, balas por doquier, chicas lindas, escenas de persecuciones, una dosis de humor, por lo general a cargo de Martin Lawrence, y desde luego un par de horas de entretenimiento. Pues esta película cumple ni mas ni menos con esa promesa de valor. Entrega exactamente y sin regalarte nada, aquello por lo que pagaste. Lo cual al final está muy bien, porque no sería coherente ir esperando encontrar un guion como el de “Seven” (Pecados Capitales) o actuaciones del tipo de Heath Ledger en “Batman el Caballero de la Noche”. Así que vas a encontrar justo lo que buscabas, y es allí donde la película resulta siendo buena, porque cumple siendo entretenida y nada más que eso.

Respecto a sus protagonistas, debo decir que Martin Lawrence lo hace mucho mejor que Will Smith, cumple aportando una dosis de humor correcta y sin pasar por sobre actuado.  

La parte negativa, la utilización de tantos clichés, en especial aquel que termina molestándonos más que cualquier otro, y es la utilización exclusiva de latinos para la personificación de los maleantes y delincuentes que siembran el crimen en la ciudad de Miami.

Así que si lo único que buscas por la compra de tu boleta es un par de horas de entretenimiento, tranquilo, no te vas a sentir defraudado en ningún momento. Ahora bien, si lo que quieres es algo más que eso, entonces podrá invadirte algún sentimiento de decepción al terminar la película.

Crítica: Las Aventuras del Doctor Dolittle (Dolittle) (2020)

Película: Las Aventuras del Doctor Dolittle (Dolittle) (2020)

Director: Stephen Gaghan (dirección y guion) Anteriores: “Syriana”.

Seguro entretendrá a tus hijos o sobrinos…

Sinopsis: Después de la muerte de su esposa, el Dr. John Dolittle, un particular y reputado veterinario, se aísla detrás de los muros de su mansión, teniendo como única compañía una gran colección de animales exóticos. Pero cuando la joven reina cae gravemente enferma, Dolittle tendrá que dejar, muy a su pesar, su vida de ermitaño para embarcarse en una épica aventura a una mítica isla en busca de una cura.

Había leído la crítica y esta no ha sido muy benévola con ella, pero una vez que la vi, la verdad no me fue claro el por qué de esta crítica. Si bien estoy seguro de que no es una película que vaya a fascinar al público adolescente o adulto debido a su falta de dramatismo, de seguro los más pequeños tendrán una opinión bastante diferente a la nuestra. Lo curioso aquí es que siendo una película para el público infantil, se haya escogido como fecha de estreno enero, en lugar de navidades o el verano americano que suelen ser fechas mas adecuadas para estas producciones.

Habiendo aclarado lo anterior procedo a contarles mi opinión de esta película.  

Se trata de un despliegue permanente de efectos visuales para lograr la animación de los animales, los cuales son muchos y aparecen por todas partes, como no podría ser de otra manera en una película del Dr. Dolittle. Aquí debo decir que los efectos si bien están muy bien logrados, no llegan a ser nada innovadores, nada que no se haya visto antes.

  

La trama y la forma en que esta se desarrolla y desenvuelve puede llegar a ser algo tonta para los mayores, pero tal vez entretenida para aquellos con menos cumpleaños celebrados. Al final termina siendo facilista y simple, pero como dije antes puede que resulte para el público infantil. Para nosotros, lo mas grandecitos, se agradece mucho que se trate de una película de corta duración, algo mas largo habría podido terminar en un verdadero agobio, pero debo reconocer que no fue así.

En cuanto a su protagonista, Robert Downey Jr., es claro que el papel no le exige mucho ni él tampoco le entrega mucho. Se le ve de alguna forma en una zona de confort. El resto de papeles humanos no cuentan con el suficiente protagonismo y terminan siendo los animales los verdaderos actores de reparto.

Así que si trata de acompañar a los niños, sobrinos, ahijados o cualquier otra persona de menos un metro de estatura valdrá la pena, de lo contrario puede ser prudente abstenerse de verla.

Crítica: 1917 (2019)

Película: 1917 (2019)

Director: Sam Mendes (dirección y guion) Anteriores: “Skyfall”, “American Beauty”.

  

No le han regalado nada…

La utilización de un único plano de secuencia continua, esto hace que aun cuando no han terminado de transcurrir los primeros 30 minutos, ya comience a ser claro porque “1917” ya cuenta en su palmarés con los premios a Mejor Película (Drama) y Mejor Director de los Golden Globes, y porque tiene 10 y 9 nominaciones a los premios Oscars y BAFTA respectivamente.

El plano de secuencia continua que se utiliza en todo el rodaje de la película termina siendo más que propicio para reconocer y valorar el magnífico esfuerzo a nivel de ambientación y fotografía, e incluso a apreciar de mejor manera la banda sonora y sus efectos de sonido.

Que si fue arriesgado emplear un único plano continuo?, seguramente sí, pero el resultado que logró Mendes con esto es permitirle al espectador una experiencia de inmersión total, llevó el realismo y la tensión a un nuevo nivel y elevó la sensación de disfrute.      

La fotografía, la ambientación y la banda sonora son poesía pura, y su nivel técnico notable y digno de reconocimiento. Ni hablar de los efectos de sonido, que hacen sentirnos como si nos dispararan a nosotros mismos, en una película que es mucha más tensión antes que acción.

En definitiva el “cómo” (la forma) roza con la perfección, pero es en el “qué” (el guion), en donde me queda debiendo. La falta de alguna sorpresa en la historia, o tal vez de algún de giro inesperado, hace que sea posible resumir su trama en un par de líneas, y es ahí en donde mi valoración personal la aleja de un 10. Esto provocó adicionalmente que no lograra enamorarme de los personajes, ni de las actuaciones, haciendo parecer que cualquier otro actor lo habría podido haber hecho igual.

Hasta aquí la película más ambiciosa de Mendes, que ya le valió el Golden Globe por mejor dirección, dejando atrás a las emblemáticas “American Beauty” y “Skyfall” y que le permite subir un escalón más en la categoría de los grandes directores.

1917 pasará a ser memorable por la forma en cómo se rodó, y seguramente será el tema de foros y conversatorios en muchas facultades de cine por su altísimo nivel técnico. Así que no deberá extrañarnos algunos premios adicionales en los Oscars o en los BAFTA. Pero de igual manera será recordado su guion, pero no por su profundidad o su complejidad, o porque nos haya emocionado al máximo, sino por la facilidad que tenemos para recordar cosas sencillas.

Si deciden verla, dense prisa e intenten verla mientras se proyecta en cines y así poder disfrutar una experiencia de inmersión inigualable.

Crítica: El Escándalo (Bombshell) (2019)

Película: El Escándalo (Bombshell) (2019)

Director: Jay Roach (dirección) Anteriores: “Trumbo”, “La Familia de mi novia”.

La (modesta) continuación del #MeToo

No hay duda de que la caída del otrora todopoderoso presidente de la Fox News en 2016 debido a varias acusaciones por acoso sexual laboral es una historia digna de ser contada en la pantalla grande y aún más en los tiempos del #MeToo y del empoderamiento femenino. Pero no nos engañemos ni dejemos que nos engañen, porque en realidad el tinte político termina siendo más relevante que el mismo foco en contra del acoso a las mujeres. Prueba de esto, es la forma en como la historia inicia justo en el momento en que Donald Trump, durante su campaña presidencial, es fuertemente cuestionado por sus reiterados comentarios sexistas. Esta no será la única referencia que se haga de Trump en el transcurso de la película y termina llamando mucho la atención que suceda justo cuando el presidente de los Estados Unidos afronta el momento mas crítico de su carrera presidencial con el “ucraniangate”, hasta aquí el único escándalo que parece ser capaz de tumbarlo del poder.      

A nivel de actuación la película cuenta con una trilogía de lujo: Charlize Theron, Nicole Kidman y Margot Robbie. Sin embargo sus interpretaciones no llegan a ser memorables y tal vez puede que sean mejor valoradas por televidentes asiduos a los programas de noticias norteamericanas y que conozcan a las reporteras y presentadoras a quienes personifican. Y puede que así sea, considerando que tanto Charlize como Margot lograron nominaciones a actriz principal y actriz de reparto respectivamente para los Oscars 2020. La de Margot definitivamente no la comparto, y no por falta de aptitudes ya que lo ha demostrado ampliamente en “Yo Tonya”, “Lobo de Wallstreet” en incluso como Harley Quinn en “Escuadrón Suicida”, sino por lo limitado de un papel que no le permitió hacer más. En cuanto a Charlize todos estarán de acuerdo conmigo que su actuación, con todo y nominación al Oscar a bordo, no logra llegar al Top 10 de su carrera. También podríamos hablar de lo muy bien que se sigue viendo Charlize a sus 45 años, pero considerando que se trata de una película en contra de los prejuicios sexistas vamos a dejarlo ahí.     

Algo más para reseñar ¿? Banda sonora, fotografía, la verdad es que pasan completamente desapercibidas y nada aportan.

En síntesis una historia que merecía ser contada y que espero pueda seguir alentando a aquellas que aún callan, pero que como película pasará sin pena ni gloria.

Crítica: Jojo Rabbit (2019)

Película: Jojo Rabbit (2019)

Director: Taika Waititi (dirección y guion)

Aquello que sale cuando “La vida es bella”, “La ladrona de libros” y “Calvin y Hobbes” entran a una licuadora…

El final de la segunda guerra mundial visto a través de los ojos de un niño que juega a ser fanático del nazismo y que tiene como amigo imaginario al mismísimo Adolfo Hitler. A priori lo anterior podría llegar a sonar algo mórbido y retorcido, pero en realidad se trata de un extraordinario guion escrito por Taika Waititi quien interpreta el papel de Hitler y es a su vez el director de esta magnífica y más que recomendada película.  

Si tengo que escoger aquello que más resalta en esta película, debo decir que es el guion (junto con “Parasite” tal vez los mejores del 2019), pero la verdad cuesta llegar a esa conclusión ya que absolutamente todo funciona, desde la fotografía hasta la ambientación, pasando por el vestuario y por una banda sonora que incluye clásicos del pop rock en idioma alemán.

Algo parecido pasa con la actuación. No resulta para nada fácil poder escoger una sola interpretación para destacar, porque incluso el pequeño actor que hace de “Yorki”, el mejor amigo de nuestro protagonista, con pocas líneas logra hacer un papelazo en esta película. Simplemente tendríamos que mencionar a todos porque grandes y pequeños alcanzan un nivel muy alto de actuación.

Jojo Rabbit es una sátira ácida que ridiculiza el nazismo y el antisemitismo, que se adorna con una dosis exacta de humor de buen gusto y que no se apega estrictamente al contexto histórico, sino que se ambienta en una hipotética Alemania de la segunda guerra mundial para narrar el fin de la guerra desde la perspectiva de un niño, a quien la vida le da la oportunidad de conocer los dos lados de la guerra.

Poco y nada para criticar sobre esta película. Resta solo ponernos de pie para aplaudir a Taika por una dirección extraordinaria y un guion para el recuerdo.

Crítica: Richard Jewell (2019)

Película: El Caso de Richard Jewell (2019)

Director: Clint Eastwood

No esperemos ver lo mejor de Eastwood

Lo primero que debemos entrar a resaltar es como un señor de prácticamente noventa años (los cumplirá el próximo 31 de mayo) tiene la capacidad de continuar haciendo producciones de calidad. Si bien esta no es ni de cerca una de sus mejores películas como director (Million Dollar Baby o la excelente Mystic River), confirma su capacidad para poder hacer cosas interesantes sin complicarse demasiado, contar historias entretenidas sin ser pretencioso y con mensajes claros y directos.

Richard Jewell es una excelente opción para cuando se busca una película ligera, algo fácil y amable al momento de entender y disfrutar. Una historia simple pero emotiva, que cuenta adicionalmente con un buen reparto, Kathy Bates, Sam Rockwell, Olivia Wilde; pero con actuaciones que seguramente no nos costará olvidar en algunos meses, al igual que la película en sí.

Basada en una historia real, “El Caso de Richard Jewell” es una crítica directa hacia una de las organizaciones gubernamentales más importantes de los Estados Unidos y logra escoger un momento mas que oportuno para ser estrenada, considerando las abundantes “fake news” que proliferan sin control hoy en día en las redes sociales y que logran en muchas oportunidades ocasionar incertidumbre, caos y mucho daño.

Crítica: Parásito (Parasite) (2019)

Película: Parásito (Parasite) (2019)

Director: Bong Joon Ho (Dirección y guion)

Es Mejor ser Rico que Pobre [Pambelé]

No estamos descubriendo nada cuando decimos que en Corea del Sur se hace buen cine. Seguro llegarán buenos recuerdos a nuestra memoria al mencionar a Old Boy (2003) o Sympathy for Lady Vengeance (2005), pero si no queremos ir tan lejos, podemos quedarnos con Train to Busan (2016). Todas ellas magníficas producciones de un país que a nivel de cinematografía ya no tiene nada que demostrar.

Parasite es una historia de originalidad superlativa, que cuenta con particulares y muy bien marcadas transiciones, iniciando como una comedia, pasando hacia el drama y desenvolviéndose en forma de thriller de suspenso. Algo que muy pocas veces he visto, y mucho menos de una manera tan bien lograda, y de la cual no alcanzo a imaginar la complejidad que puede tomar su materialización. Durante la trama, se presentan giros inesperados pero diseñados al milímetro para que puedan engranarse entre sí a la perfección.  

También es una película llena de simbolismos alusivos a las distintas condiciones sociales, los cuales esconden (aunque no mucho) una crítica sobre las desigualdades sociales y económicas, y que a su vez plantea el interrogante sobre quien se alimenta de quien realmente (quienes son realmente los parásitos de nuestra sociedad).  

Ovación de pie para Bong Joon Ho, reconozco con vergüenza que es la primera película suya que veo, y me comprometo a buscar algo más de su trabajo (he leído que Memories of Murders (2003) es muy buena).

Para finalizar, he de reconocer que logro entender por qué esta película ganó La Palma de Oro en el pasado festival de Cannes y también por qué se alzó con el Golden Globe a mejor película en lengua extranjera hace menos de una semana.

Vayan al cine y permítanse descubrir las buenas producciones que se hacen en otras latitudes del mundo.

Critica: Historia de un matrimonio (2019)

Película: Historia de un matrimonio (Marriage Story) (2019)

Director: Noah Baumbach (Dirección y guion)

Los Avengers me habían hecho olvidar que Scarlet sabía actuar

Y si que sabe. La naturalidad con la que interpreta el dolor causado por la ruptura sentimental es envolvente y conmueve con facilidad. Una actuación que al menos a mí, me evocó a la Scarlet de Lost in Translation (2003) o de Match Point (2005) y me recordó que sin lugar a duda es una excelente actriz con mucho por entregar aún, tanto en el cine como en el teatro.

Adam Driver no se queda atrás, y con una muy buena personificación de un marido abatido que afronta con desventaja un proceso de divorcio, continúa logrando desprenderse de la posibilidad de haber quedado encasillado por su papel de Kylo Ren en la saga Star Wars.

Una historia bien contada que muestra las diferentes caras y protagonistas directos e indirectos de un divorcio, pasando incluso por los abogados que cual buitres, solo ven en un divorcio una oportunidad para lucrarse, y a los que poco y nada llegan a importarles los momentos por los que atraviesa la pareja.

La última escena logra resumir de muy buena manera la trama y la idea principal del guion, le toma menos de un minuto para decir con acciones que el amor es un adiós que no termina.

En síntesis es una historia que como historia no es que aporte mucho más, un típico matrimonio que finaliza en divorcio, un grandísimo agravante que es un hijo de por medio y dos personas que intentan aprender a golpes lo que nunca se enseña, cómo saber separarse. Pero más allá de eso, las actuaciones y la forma en cómo se cuenta la historia la hace conmovedora, entretenida e incluso hasta reflexiva.

Vale la pena verla.

Critica: Los Dos Papas (2019)

Película: Los dos Papas (2019)

Director: Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel)

Para “believers” y “non believers”

Para comenzar se hace pertinente mencionar que no se trata de un documental, o de una biografía autorizada, y diciendo esto entramos en el plano de la ficción y la imaginación, en una reunión que nunca se dio y en una conversación que nunca fue pronunciada.

El guion toma hechos reales como la muerte del Papa Juan Pablo II, el cónclave del 2005 en el que se elige al Cardenal Joseph Ratzinger como nuevo Papa y su posterior dimisión en 2013; y a partir de allí crea una interesante y compleja relación entre dos figuras dicotómicas, protagonizadas por el Papa saliente (Joseph Ratzinger) y el que a la postre se convertiría en el entrante (Jorge Bergoglio).

Meirelles ha defendido el realismo de su obra en algunas de las entrevistas dadas, haciendo referencia a que si bien dichos encuentros entre los dos Papas nunca se realizaron, las ideas y frases más relevantes que estos mencionan en la película son efectivamente extractos de menciones reales que cada uno de ellos pronunció en algún punto de su vida.

Más allá de lo anterior, y habiendo convenido que no se trata de la reproducción de hechos reales, es una película entretenida, fácil de ver, apoyada en un guion ingenioso, que tuvo la gran fortuna de contar con dos actores de primera línea, que le aportan a sus personajes la dosis exacta de humanismo y mortalidad que el guion quiso impregnar a dos figuras que pudieron llegar a ser consideradas por algunos como “divinas”.

Anthony Hopkins interpretando a Ratzinger y Jonathan Pryce a Bergoglio, terminan siendo un deleite para el espectador durante sus largas, pero en ningún momento aburridas, conversaciones sobre el futuro de la Iglesia Católica, sus propios remordimientos, sus miedos, sus secretos. Todo ello visto desde dos puntos de vista completamente opuestos, pero que de a poco cada uno logrará sembrar en el otro algo de su propia perspectiva.

En lo personal y reconociendo que ambas actuaciones son sobresalientes, iré un poco en contra de la crítica que ha valorado de mejor manera el trabajo de Pryce (Golden Globes, BAFTA) y me inclinaré hacia el lado Hopkins. A mi parecer una actuación memorable.

Una película para ver y disfrutar, independientemente de en lo que se crea.